Supermuseos, los equipamientos que vienen


La Vanguardia

  • El 2016 viene marcado por una auténtica fiebre museística a nivel mundial
Nuevo Tate Modern, Museo Nacional Británico de Arte Moderno

Nuevo Tate Modern, Museo Nacional Británico de Arte Moderno

El planeta vive una auténtica fiebre museística. Revelados como imbatibles señas de identidad y polos de atracción de las ciudades que los alojan, las administraciones públicas compiten por redoblar sus apuestas mientras coleccionistas multimillonarios de todo el mundo encargan sus museos privados a arquitectos estrella para albergar sus colecciones. Sólo en China se calcula que en los últimos años han abierto más de 1.000 equipamientos. A continuación, algunos de los grandes proyectos que, ya sea en forma de ampliación o nueva planta, abrirán al público en este 2016.

LA NUEVA TATE MODERN

Al abrazo de la vanguardia de los museos del siglo XXI

“La Tate Modern transformó en su día la actitud de los británicos hacia el arte moderno y va a volver a hacerlo en su nueva versión ampliada”, dice Nicholas Serota, el director de una institución que el año pasado fue visitada por 5,7 millones de personas. A partir del 17 de junio va a contar con una extensión, una estructura de diez pisos de altura en la zona sur del conjunto llamada The Switch House que ha sido diseñada por el estudio de arquitectos Herzog & de Meuron, los mismos que convirtieron la vieja central eléctrica en la orilla sur del río Támesis en una de las galerías de arte de referencia en el mundo. El coste total del proyecto asciende a 345 millones de euros.

La Switch House, que aumenta en un 60% el espacio de la Tate, dispondrá de tres niveles de galerías, áreas educativas, salas para socios, restaurante y una plataforma de observación con vistas a la ciudad en el décimo piso. “El concepto de un museo de arte moderno se encuentra en constante evolución, empujado por una mezcla de innovación artística, las demandas de la audiencia y la visión de los comisarios de las exposiciones. La Tate Modern se halla en la vanguardia de esos cambios”, concluye Nicholas Serota. / Rafael Ramos

MUSEO DE DISEÑO

La apuesta de Londres como capital global de la creatividad

El Museo de Diseño de Londres va a abandonar su actual sede junto al puente de la Torre de Londres para trasladarse a una estructura modernista de los años sesenta que lleva más de una década vacía en el barrio de Kensington, cerca del Victoria and Albert y del Museo de Historia Natural. La ejecución del proyecto estaba prevista originalmente para el 2014, pero las obras de modernización del edificio que albergaba el Instituto de la Commonwealth han resultado mucho más complejas de lo previsto, y todavía no hay fecha definitiva para la mudanza, aunque se espera que sea después del verano. La actual sede, en el llamado muelle del Mayordomo ( Butler´s Wharf) cerrará sus puertas al público en junio. Con el cambio de ubicación, el Museo del Diseño ganará diez mil metros cuadrados de espacio adicional, que permitirá desplegar simultáneamente sus colecciones permanentes y dos exhibiciones temporales. El coste de las obras, efectuadas por la firma de arquitectos John Pawson será de unos 100 millones de euros.“El proyecto va a consolidar a Londres como la capital global del diseño y el mejor lugar del mundo para el fomento de la creatividad”, dice el ministro británico de Economía, George Osborne, que ha concedido a la institución una serie de exenciones fiscales. / R. Ramos

AÑO DE REAPERTURAS EN PARÍS

Del Carnavalet al museo Maillol o la Cité Musicale

¡Es la cultura, idiota! La semana pasada, el ministro francés de Exteriores presentó Le Grand Tour, su apoyo a acontecimientos culturales. Porque “del 35% al 45% de los 85 millones de turistas quiere descubrir nuestra cultura”. Y para corregir el bajón por los atentados –en los museos parisinos, en diciembre, 5% menos de americanos y 17% menos de europeos–, hay novedades. Tras las creaciones de los dos últimos años (Louis Vuitton, nuevo Picasso, Filarmónica, nuevas salas del Gustave Moreau…), el 2016 viene marcado por las reaperturas.

El Louvre, que también perdió visitantes, acabó sus reformas bajo la Pirámide, y en febrero reabren las catorce salas de la Revolución Francesa –la colección más importante del mundo– del museo Carnavalet; el 31 de marzo, el Bourdelle; en abril, el Jean-Jacques Henner y, tras diez años, la galería de minerales del Jardin des Plantes, concebida en 1834 como primer museo de Francia. Hay que aguardar a septiembre para volver al Maillol, un año después del cierre. En otoño, inauguran la Cité Musicale de la isla Seguin, de Shigeru Ban y Jean de Gastines, y el polo R4, de artes plásticas y visuales, de Jean Nouvel. En 2016 también concluye obras el Cluny, museo del mundo medieval, y será el primer año del nuevo Rodin, reabierto el 12 de noviembre. / Óscar Caballero

MET BREUER Y BASS MUSEUM

El peligro de morir de éxito en Nueva York y Miami

E stos sí son buenos tiempos para los museos en los lugares de moda, como Nueva York, la ciudad de las ciudades, o Miami, la capital global del mundo hispano. En un planeta cada vez más desigual, el incremento de las grandes fortunas, la de los llamados del 1%, y la expansión del turismo de masas hasta límites casi tóxicos han provocado que los grandes recintos museísticos –por tamaño y/o calidad– se hayan quedado pequeños. Y sus dirigentes, ávidos a la hora de conseguir financiación privada de los mecenas –a cambio de prebendas impositivas–, han visto el filón económico al dar cabida a más visitantes.

Mientras prosigue la gran ampliación del MoMA, el traslado del Whitney al turístico Meat Packing District de Manhattan dio pista al enciclopédico Metropolitan Museum para enviar al edificio vacío, obra de Marcel Breuer, su arte contemporáneo y moderno. Es lo que se conoce como Met-Breuer, y su apertura se prevé para este marzo. También se traslada el museo del International Center of Photography, que deja el medio Manhattan para irse al Bowery, junto al icónico New Museum. Sus dirigentes jamás escondieron su objetivo: extender el número de visitantes.

Si Nueva York está de moda, no lo está menos Miami en el “continente latinoamericano”. De ahí la expansión del Bass Museum, encargado a los arquitectos Arata Isozaki y David Gauld, los mismos que ya hicieron la primera expansión entre 1998 y el 2002.

A pesar de tanto crecimiento, han empezado ya a sonar voces de alerta. La extraordinaria residencia de la Frick Collection o del Museo de Historia Natural, ambos en Nueva York, han echado el freno a sus planes de expansión. El peligro es morir de éxito. / Francesc Peirón

SAN FRANCISCO MoMA

Nuevas colecciones y un gran centro de fotografía

El MoMA de San Francisco tendrá poco que envidiar a su homólogo de Nueva York cuando terminen las obras de ampliación dirigidas por el taller de arquitec-tura noruego Snøhetta y que va a multiplicar por tres el espacio del edificio anterior que diseñó Mario Botta. Serán en total 43.000 metros cuadrados distribuidos en diez luminosas plantas que albergarán de momento las 600 obras comprometidas para la inauguración y 260 obras de la Colección Fisher, tras un acuerdo histórico para los próximos cien años. En la tercera planta se instala el Centro Pritzker de fotografía, que será la mayor galería de Estados Unidos dedicada a esta disciplina artística. Una monumental escultura de Richard Serra dará la bienvenida en la planta baja. La integración del edificio en el entorno urbano de San Francisco ha sido una exigencia del museo y una obsesión de los diseñadores de Snøhetta, hasta el punto de que las ondulaciones de la fachada oriental se inspiran en las aguas de la bahía. El proyecto se ha llevado a cabo con un presupuesto de 610 millones de dólares aportados por 500 donantes. La inauguración está prevista para el 14 de mayo. / Jordi Barbeta

MUSEO NACIONAL DE LA HISTORIA Y LA CULTURA AFROAMERICANA

Washington rastrea la huella afroamericana

Washington, la capital de Estados Unidos, es la ciudad que en proporción a su extensión, dedica más espacio a los museos. Hasta 19 museos gestiona la Smithsonian Institution, pero no será hasta este año que se inaugure en pleno National Mall, un museo dedicado a la huella afroamericana. Aunque todavía no se ha cubierto la totalidad del presupuesto, la apertura del nuevo National Museum of African American History and Culture tiene que ser este año o a más tardar en la primera quincena de enero, porque según ha declarado su director, Lonnie Bunch, están decididos a que lo inaugure el primer presidente negro de Estados Unidos antes de que abandone la Casa Blanca. Con un presupuesto de 500 millones de dólares, está prácticamente lista la construcción de un edificio con estructura de bronce y vidrio que se hace notar porque rompe con el clasicismo de los edificios vecinos. El museo exhibirá 40.000 objetos en once grandes exposiciones sobre la historia de la esclavitud, la segregación y el movimiento de los derechos civiles. También expondrá las aportaciones de afroamericanos al arte y la cultura en general, los deportes y la milicia. El Congreso ha subvencionado la mitad del presupuesto, y el resto procede de corporaciones, fundaciones y de 80.000 aportaciones de particulares. / J. Barbeta

MUSEO DE PALESTINA

Un museo para visitantes en la diáspora

En el norte de Ramala, junto a la Universidad de Birzeit, se levanta el Palestinian Museum, dedicado a la historia y la cultura palestinas. Diseñado por el estudio con base en Dublín y Berlín Heneghan Peng, se trata de un complejo de edificios bajos y forma triangular que se funden con los contornos de las colinas del entorno. Su coste ronda los 30 millones de ­dólares y es financiado por dis­tintas instituciones privadas. “El objetivo es conectar a los palestinos y presentar diferentes narrativas al mundo de lo que somos, de dónde venimos y lo que aspiramos”, en palabras de su director fundador Jack Persekian, cuya reciente dimisión ha dejado en el aire la apertura, prevista para el mes de mayo del 2016, coincidiendo con el aniversario de la Nakba, en 1948, cuando se estableció el Estado de Israel y más de 750.000 palestinos partieron hacia el exilio.

“A diferencia de la mayoría de los museos nacionales, nuestro público objetivo se encuentra fragmentado. Muchos no pueden llegar debido a las restricciones del viaje a Israel y otros están dispersos en los cinco continentes”, dice Persekian, por lo que, más que un simple edificio en Birzeit, el museo se define a sí mismo como un gran centro de operaciones, con una intensa actividad virtual y satélites en todo el mundo a través de alianzas estratégicas con otros centros ya existentes. / Teresa Sesé

REY ABDULAZIZ CENTRO PARA LA CULTURA MUNDIAL

Un complejo cultural junto al monumento al petróleo

El Rey Abdulaziz Centro para la Cultura Mundial es una iniciativa de la compañía petrolera Saudi Aramco Oil en Dhahran, Arabia Saudí, muy cerca del llamado prosperity well, un monumento nacional que conmemora el lugar donde se descubrió petróleo por primera vez en el Estado árabe. Diseñado por la firma noruega Snøhetta, el mismo estudio que firma la ampliación del MoMA San Francisco, formalmente la arquitectura se inspira en la geología y las formaciones rocosas de Arabia Saudita que conservan la energía del petróleo. El complejo está formado por una gran “torre del conocimiento”, en torno a la cual se levantan otras construcciones de formas montañosas y suman en total 80.000 metros cuadrados. Albergará bibliotecas, centros de estudio, un museo con cuatro galerías, otro pensado especialmente para niños (con exposiciones temporales), un centro de aprendizaje y un auditorio con capacidad para 930 personas. Su coste: 400 millones de dólares. / T. Sesé

Francia devolverá a Egipto 239 piezas arqueológicas robadas


web

  • Francia devolverá a Egipto en los próximos días 239 piezas arqueológicas que fueron sacadas de contrabando del país, informó hoy el ministro de Antigüedades, Mamduh al Damati

Francia devolverá a Egipto en los próximos días 239 piezas arqueológicas que fueron sacadas de contrabando del país, informó hoy el ministro de Antigüedades, Mamduh al Damati.

El ministro explicó, en un comunicado, que los expertos del Museo del Louvre confirmaron la autenticidad de esas 239 piezas, de las 302 que fueron extraídas ilegalmente de Egipto.

Las autoridades egipcias han solicitado también la devolución de otras 63 piezas, cuya autenticidad no ha sido verificada, para ser examinadas en el país.

Asimismo, la nota destacó que la recuperación de esas antigüedades se enmarca en los esfuerzos del Ministerio para lograr la devolución de todas las piezas sacadas de contrabando.

Al Damati adelantó que su Gobierno proyecta suscribir un acuerdo con Francia para poner fin a este tipo de contrabando.

Por su parte, el jefe del Departamento de Arqueología Recuperada, Ali Ahmed, citado en el escrito, dijo que las antigüedades que devolverán las autoridades galas datan de diferentes épocas faraónicas.

Entre ellas figuran estatuillas de madera pintada que representan a marinos y que formaban parte de una barca funeraria, así como un trozo de piedra caliza que muestra la presentación de ofrendas al dios Osiris y la diosa Isis.

Además, será devuelto un conjunto de amuletos y estatuillas “ushabti”, que se colocaban por centenares en las tumbas de los faraones para ayudarles en los trabajos manuales en su vida después de la muerte.

Entre las múltiples piezas también hay vasijas de roca y cerámica, y varias monedas de las épocas grecorromana, bizantina e islámica.

Las autoridades de Arqueología han recuperado cientos de piezas en los últimos años, en el marco de una intensa campaña internacional, que incluye una estricta vigilancia de las ofertas de las casas de subastas, para impedir la venta de antigüedades egipcias robadas y sacadas de contrabando.

Así serán los museos del futuro: «Las llaves de Roma»


ABC.es

  • La muestra se puede ver simultáneamente en cuatro ciudades, y cuenta con novedosas aplicaciones tecnológica que permiten un viaje a la época del emperador Augusto
Así serán los museos del futuro: «Las llaves de Roma»

alphagalileo.org | Hasta mayo de 2015 estarán expuestas las colecciones romanas de los cuatro museos

El año 2014 marca el 2 000 aniversario de la muerte de Augusto, fundador del Imperio Romano. Con motivo de esta efeméride se ha organizado una exposición nueva y singular de los últimos adelantos en tecnologías para museos virtuales originadas en Europa.

Varios integrantes de V-MUST.NET (Virtual Museum Transnational Network) son responsables de la conservación de «Keys to Rome» (Las llaves de Roma) , una exposición instalada a la vez en cuatro ciudades que representaron en claves emblemáticos del Imperio Romano: Alejandría, en Egipto (Bibliotheca Alexandrina) , Ámsterdam (Museo Allard Pierson) , Sarajevo (Ayuntamiento) y, por supuesto, Roma (Museo de los Foros Imperiales).

Hasta mayo de 2015 estarán expuestas las colecciones romanas de los cuatro museos y se difundirán también mediante una serie de «aplicaciones para móviles» y de tecnologías de inmersión creadas por los socios de V-MUST.NET. Los objetos expuestos en las cuatro ciudades podrán descubrirse siguiendo un itinerario digital para el que se han empleado vídeos con gráficos digitales, instalaciones enfocadas hacia interacciones naturales, medios audiovisuales y aplicaciones para teléfonos móviles.

 La exposición, titulada «Keys to Rome» (Las llaves de Roma), se inauguró de forma oficial el 23 de septiembre, por coincidir ese día con la del nacimiento de Augusto. La muestra se reproduce simultáneamente en otras tres ciudades, por lo que no se trata de una simple exposición más de entre las muchas dedicadas a esta ciudad y su pasado lejano.

Una red de investigadores europeos (arqueólogos, historiadores del arte, arquitectos, informáticos y especialistas en comunicación) ha aprovechado esta celebración para mostrar nuevas tecnologías destinadas a museos virtuales. Su propósito es enseñar los usos posibles de estas tecnologías para cautivar el interés de los visitantes.

 Durante el viaje a la época del emperador Augusto, que transcurre en el siglo posterior a la caída del Imperio Romano (siglo VI d. C.), se cuenta con dos guías, un viejo mercader y su sobrino. Los visitantes descubren gradualmente los secretos de la familia de estos dos guías por medio de objetos legados por sus antepasados. Así, «Las llaves de Roma» desvela los relatos que encierran los distintos artefactos expuestos.

Quienes visiten cualquiera de los museos donde se encuentra esta exposición podrán descargarse Matrix (creada por el Instituto Fraunhofer de Darmstadt, Alemania) a su móvil de forma gratuita y usar esta aplicación para escoger un personaje que sea su guía, encontrar objetos y acceder a las cuatro colecciones. Esta aplicación estará a disposición del público en el sitio web de «Las llaves de Roma».

Otra herramienta destacada es un sistema de identificación inalámbrica por radiofrecuencia (RFID), instalado en el Museo Allard Pierson de Ámsterdam, con el que los visitantes podrán personalizar los contenidos. En Roma se encuentra además un un «mapa ambulante» que ofrece al visitante la impresión de estar paseando por esta ciudad en el presente y hace dos mil años.

Se podrá imprimir una imagen tridimensional, equipada con sensores, del famoso altar Ara Pacis Augustae gracias a otra aplicación, Virtex. Se podrá pulsar sobre dicha impresión para obtener información sobre diversos aspectos de este altar.

El instituto francés de investigación INRIA ha creado otra aplicación de realidad aumentada llamada Nisar que permite al visitante obtener información sobre determinado objeto, sencillamente, señalándolo con el dedo. También se podrán explorar escenas tridimensionales reconstruidas a través de Admotum, un juego para Kinect que puede conectar con Holobox, el cual permite manipular hologramas de objetos. Estas dos últimas aplicaciones fueron creadas por el consejo italiano de investigación, CNR ITABC .

Aparte de los dieciocho socios del proyecto, V-MUST.NET cuenta con ciento veinte miembros asociados, algunos de ellos de fuera de Europa. Sus responsables han establecido un «Centro de Competencia» destinado a comercializar las tecnologías resultantes una vez concluya el proyecto.

 V-MUST.NET es una Red de Excelencia europea dedicada a los museos virtuales. Se trata de un proyecto de cuatro años de duración que recibió de la Comisión Europea, a través del Séptimo Programa Marco, fondos por valor de 4,45 millones de euros. Dio comienzo el 1 de febrero de 2011 y finalizará el 31 de enero de 2015.

Aquella brillante promoción de 1758


El Pais

Retrato de un dibujante, de José del Castillo.

Ocho jóvenes artistas españoles, pensionados de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, deambularon por las calles de Roma cuaderno en mano entre 1758 y 1764. Tributo a la eterna belleza de la ciudad y a la capacidad de asombro propia del aprendizaje, el Museo del Prado ha organizado una muestra en torno a aquellos libritos, que, con el tamaño de un octavo mayor, sirven de testimonio de los deberes escolares, los anhelos estéticos, las anotaciones propias de un diario y otras particularidades de la cotidianidad sobresaltada del estudiante en el extranjero.

Cuatro de aquellos cuadernos, más uno de Goya, que no acudió a Roma en 1771 en calidad de alumno, sino por propia iniciativa y ya convertido en todo un maestro, ocupan en un acierto escenográfico de tintes dramáticos el centro del espacio consagrado por la pinacoteca madrileña a la muestra Roma en el bolsillo. Cuadernos de dibujo y aprendizaje artístico en el siglo XVIII. Esperan al visitante hasta el 19 de enero en la penumbra que la conservación de la obra en papel exige y suspendidos en el aire a la altura precisa en la que uno los sostendría en sus manos. Para subrayar el efecto deseado, uno de ellos, obra de José del Castillo, que aporta tres de las cinco piezas, descansa abierto por una página en la que se puede contemplar el retrato de un dibujante haciendo lo propio.

Los otros dos son el célebre Cuaderno italiano de Goya y el único que se conserva de los días romanos de Mariano Salvador Maella, maestro del dibujo. Los cinco son propiedad del Prado, además de adquisiciones recientes. En 1990 se compraron los de José del Castillo, que nunca habían sido expuestos (ni tampoco estudiados a fondo). En 1993, se adquirió el de Goya y en 2005, el de Maella.

Al fondo, en el interior de una vitrina, se pueden contemplar otros tres ejemplos, propiedad de la Biblioteca Nacional, el Meadows de Dallas y el MNAC, y firmados por Domingo Antonio Lois de Monteagudo, Antonio Primo y Domingo Álvarez de Enciso, miembros todos de aquella brillante promoción de 1758. De las notas artísticas que tomaron los pensionados José de Villanueva, que luego proyectaría el edificio del Prado, Isidro Carnicero y Antonio Martínez de Espinosa, no se guardan pruebas.

La lista de los agraciados con la beca y la de las tareas que esta comportaba se exponen bajo un grabado de la ciudad de Roma, “la más bonita de cuantas se conservan”, a juicio del comisario José Manuel Matilla, jefe del Gabinete de Dibujos y Estampas del Prado. Obra de Giuseppe Vasi, se grabó para el rey Carlos III, y en la exposición permite localizar con la imaginación las idas y venidas de los pensionados, que copiaban escultura clásica, pinturas renacentistas, obras barrocas o desnudos en la Accademia del Nudo, creada a tal efecto por el papa en el Campidoglio.

Las obligaciones de los estudiantes venían descritas en las Instrucciones para el director y los pensionados del Rey en Roma de pintura y escultura, cuyo punto 28, redactado por Felipe de Castro, establecía que los estudiantes debían traer “siempre consigo libros de memoria en que apuntar las obras más dignas que encuentren en los templos, palacios, jardines y fuentes, y los adornos antiguos y modernos donde quiera que los hallen”. Como suele ser norma, cada cual hizo de la aplicación de aquellas reglas lo que buenamente pudo… o quiso: si el becado Castillo las aplicaba con metódico afán, el trabajo de Maella siempre estuvo dominado por la heterodoxia de su mirada. En unos y otros casos, estos testimonios, escribe Matilla en el espléndido catálogo, impreso con el formato de un cuaderno de notas, permiten “analizar el pensamiento de un artista, manifestado en su modo de dibujar”.

Aquel dieciochesco Erasmus pictórico nunca se repetiría. Seguramente, aventura Matilla, por demasiado ambicioso: inspirado por los programas educativos de la Academia Francesa, obligaba a los artistas a pasar seis años lejos de España, acaso demasiado tiempo para el temperamento de un aprendiz con ansias de triunfar en casa.

La muestra se completa con 22 dibujos independientes, que eran enviados a la Academia de San Fernando y que permiten comparar las diferentes formas de representar un mismo modelo de los becarios, así como otra veintena de cuadernos, incluidos algunos extranjeros, aunque todos ellos italianos, como el Pronti, anónimo, o los de los artistas Edme Bouchardon, Carlo Spiridione Mariotti, Joshua Reynolds, Frédéric Nepveu o el Álbum Vallardi, de la neoclásica suiza Angelika Kauffmann.

Un acuerdo firmado entre el Prado y la multinacional Samsung, flamante miembro corporativo del museo en calidad de “colaborador tecnológico”, ha permitido colocar en la sala 25 tabletas que, estas sí, pueden ser manoseadas a su antojo por los visitantes para descubrir los secretos de los delicados cuadernos, cuyo contenido ha sido debidamente digitalizado. Los tesoros contenidos en estos ingenios también se alojan en un microsite en la página web del Prado. Lo que en la dimensión virtual aguarda es un exhaustivo catálogo razonado que, por su propia naturaleza, permite la consulta de una información amplísima y no sujeta a las contingencias, económicas y de espacio, del viejo papel.

Pissarro, primera gran cita en España


El Pais

M. MORALES / L. ALMODÓVAR / Á. DE LA RÚA

No es común contemplar con tanta nitidez ese momento estelar que marca el paso de lo viejo a lo nuevo; de lo anterior a lo siguiente; de lo que fue a lo que será. El milagro de la evolución pictórica se obra ante los ojos del visitante en la exposición Pissarro, que el Museo Thyssen inaugura el martes (hasta el 15 septiembre) y que luego se trasladará a CaixaForum, en Barcelona, en la distancia que media entre los lienzos Orillas del Oise, Pontoise (1867) y Louveciennes (1870). Es el fabuloso tránsito entre el notable intérprete de las enseñanzas de Corot, Courbet o Dauvigny al temprano apóstol de la revolución impresionista. Las pinceladas se desmenuzan, la luz se vuelve espaciosa, los colores se expanden hacia nuevas dimensiones.

Camille Pissarro (Santo Tomás, Antillas, 1830-París, 1903) nunca abandonaría ese credo. Tampoco dejaría atrás a aquellos muchachos (Monet, Cézanne, Gauguin, Renoir), compañeros de caballete nacidos una década después que él y con vivencias tan distintas a las suyas: Pissarro, hijo de padre judío y madre criolla, nació en ultramar y aprendió a pintar en París y en Venezuela, antes de entregarse a la vida rural solo interrumpida por la agitación urbana cuando ya no quedó más remedio.

Con ellos (y con otros, como Van Gogh) ejercería de padre y de hermano mayor, de amigo y de aglutinador de voluntades. Fue maestro, pero también discípulo. De Monet, claro, con quien empezó a ver la realidad de otra manera en Louveciennes, y de Cézanne, cuyas composiciones geométricas se deslizan entre las pinceladas de El camino de Ennery (1874), el único prestado por el Museo D’Orsay de los 79 cuadros incluidos en la muestra del Thyssen (que aporta seis obras), la primera consagrada al artista en España.

Dice mucho de su buen talante (transparentado en el epistolario mantenido con su hijo Lucien, recientemente rescatado por la jovencísima editorial La Micro) el hecho de que fuera el único de los nuevos cachorros de la pintura moderna que participó en las ocho exposiciones impresionistas, celebradas entre 1874 y 1886. Redactó, además, los estatutos de la cooperativa con la que el grupo amagó con emanciparse del mercado, más o menos cuando la crisis ahogó a Francia durante la guerra prusiana, en los años setenta del siglo XIX.

Antes de que sus más destacados miembros se convirtieran en verdaderas máquinas de hacer dinero en vida, y mucho antes de que, en muerte, el solo recurso a su marchamo convierta, como saben bien en el Thyssen, cualquier exposición impresionista en un acontecimiento social.

Guillermo Solana, director artístico de la fundación, que aquí dobla como comisario, ayudado por Paula Luengo, ha sorteado cuidadosamente la tentación de emplear la palabra mágica que conjura a las masas: la muestra se llama Pissarro a secas y no, pongamos por caso, Pissarro, el primer impresionista. “Creo en los nombres instantáneamente reconocibles, y este lo es”, aseguraba la semana pasada en mitad del montaje de la muestra Solana, a quien algunos afearon que titulase Impresionismo y aire libre una reciente muestra sobre paisajismo con un arco temporal ciertamente más amplio.

No es la única turbulencia que agita la tranquilidad de los caminos, gran tema de Pissarro, de esta sensacional muestra. Una de las vistas urbanas del recorrido, Rue Saint-Honoré por la tarde. Efecto de lluvia (1897), propiedad de la colección Thyssen, y por lo tanto, del Reino español, está en el centro de una reclamación de los descendientes de Lilly Cassirer Neubauer, abuela de Claude Cassirer, fotógrafo ya fallecido, quien en 2005 demandó al museo madrileño la devolución del cuadro, valorado en 13,7 millones.

Lilly Cassirer, judía que logró huir de la Alemania nazi, se vio forzada a deshacerse de la obra para obtener un visado con el que poder salir del país. Tras la guerra, reclamó judicialmente el lienzo y en 1958 el Gobierno federal alemán la reconoció como su propietaria legal. Le fueron entregados 120.000 marcos en compensación.

El actual litigio llegó a un punto y aparte en mayo de 2012, cuando la reclamación fue desestimada por un juzgado de California. Ante esa decisión aún cabe recurso. El cuadro de la discordia se sitúa hacia el final de la muestra, que Solana ha organizado atendiendo a criterios espaciales y cronológicos, que, después de todo, son los más imparciales.

Una paleta que dejó de ser herramienta para convertirse en obra de arte da la bienvenida, junto a un autorretrato del año de su muerte, a un viaje por el siglo XIX francés, de Louveciennes, Pontoise o Éragny, quintaesencia de las somnolientas provincias adoradas por Pissarro, atento entomólogo de la vida campesina, a la agitación de París o la belleza industrial de Rouen o Le Havre.

“Hay un cambio fundamental entre el artista del agro y el de la ciudad, adonde se mudó cuando una infección ocular le obligó a dejar de pintar al aire libre”, aclara Solana. La contemplación del mundo desde la habitación de un hotel a través de una ventana, acentúa la melancolía del tardío Pissarro hasta difuminarla en las brumas que asoman en vistas como la que inmortalizó sobre el puente de Charing Cross. Con la idea del campo en el recuerdo, a lo lejos, el visitante creería ver asomarse el siglo XX, con sus vanguardias feroces y su voraz pulsión autodestructiva.

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España


ABC.es

  • Desde El Prado, en Madrid, hasta el de El Greco, en Toledo. Consejos para disfrutar las grandes pinacotecas a coste cero

En tiempos de crisis no se puede prescindir de la cultura si bien es cierto que el precio de las entradas a grandes o pequeños museos es un factor a tener en cuenta a la hora de hacer un plan de fin de semana. Conscientes de los tiempos que corren los responsables de muchos de los museos españoles ofrecen la oportunidad de entrar en sus salas gratuitamente al menos algún día de la semana.

1 Museo Nacional del Prado

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

EFE
Una zona de la exposición monográfica que el Museo del Prado dedica ahora a Juan Fernández, el Labrador

El Museo del Prado, la joya de la corona y una de las pinacotecas más prestigiosas del mundo -comparable con El Louvre, El Hermitage o La National Gallery de Londres- abre gratis las tarde de martes a sábado, de 18:00 a 20:00 h, y los domingos, de 17:00 a 20:00 h. Mayores y niños podrán disfrutar de la amplia presencia de obras de Velázquez, El Greco, Goya, Tiziano, Rubens y El Bosco, de los que posee las mejores y más extensas colecciones que existen a nivel mundial, a lo que hay que sumar destacados conjuntos de autores tan importantes como Murillo, Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto o Van Dyck entre otros.

2 Museo Reina Sofía

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

Jaime Garcia /Esculturas de Cristina Iglesias, hasta el 13 de mayo

El Museo Reina Sofía, dedicado al arte del siglo XX y contemporáneo, es otro de los más importantes museos de Europa con las mejores obras de artistas de la talla de Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró. Los sábados por la tarde -de 14:30 a 21:00- y los domingos por la mañana -10:00 a 14,30- la entrada es gratuita.

3 Museo Thyssen-Bornemisza

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

EFE /El Paraíso, de Tintoretto

El Museo Thyssen-Bornemisza cierra el llamado «Triángulo del Arte» de Madrid. Ubicado en el Palacio de Villahermosa, el museo custodia más de 700 obras de maestros antiguos y modernos que vienen a completar las colecciones de El Prado y El Reina Sofía.
El precio de la entrada general es de 9 euros pero gracias al patrocinio de MasterCard los lunes de 12.00 a 16.00 el acceso es gratuito.

4 Museo del Aire

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

Para los amantes de la aviación nada mejor que visitar el Museo del Aire de Madrid un espacio donde se pueden contemplar hasta 150 modelos de aviones y helicópteros que surcaron los cielos hace décadas y que se exponen en siete hangares por orden cronológico. Maquetas, simuladores, insignias o uniformes completan un recorrido diferente que resulta muy asequible ya que la entrada es gratuita.

5 Museo de los bomberos

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

El Museo de los bomberos de Madrid es sin duda uno de los mejores lugares para disfrutar de una mañana de fin de semana sin gastar un euro. Contemplar los vehículos originales que han utilizado los bomberos a lo largo de la historia así como los cascos y trajes harán las delicias de los más pequeños de la casa. Para completar la visita, el museo, que abre solo en horario de mañana, ofrece una sección dedicada a las miniaturas de juguete de coches y camiones.

6 Museo Nacional de Altamira

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

El Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira en Santillana del Mar ofrece al visitante la oportunidad de conocer la obra maestra del primer arte de la Humanidad. Aunque la cueva está cerrada al público desde 2002, el museo permite conocer cómo era Altamira, un lugar del Paleolítico, hace 15.000 años, cuando se pintaron los famosos bisontes. La entrada es gratuita los sábados desde las 14.00 de la tarde y el domingos todo el día.

7 Museo de la Prehistoria

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

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El Museo de la Prehistoria de Valencia esconde verdaderas joyas arqueológicas que abarcan desde el período Paleolítico hasta la época visigoda. Ubicado en La Casa de la Beneficencia el museo guarda los primeros restos humanos fósiles de la Cueva del Bolomor o una colección de vasos con decoración cardial del Neolítico así como el mosaico de Font de Mussa o el Apolo de Pinedo del Mundo Romano. La entrada es gratuita todos los días de la semana.

8 Museo de Santa Cruz de Toledo

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

El Museo de Santa Cruz de Toledo, en un antiguo hospital del siglo XVI, reúne las colecciones de los antiguos Museos Arqueológico y Museo Parroquial de San Vicente y cuenta con secciones de Arqueología, Bellas Artes y Artes Decorativas de las que destaca los cuadros de El Greco. La entrada es gratuita.

9 Museo de El Greco

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

Sin salir de Toledo encontramos el Museo de El Greco, en la actualidad el único de España dedicado a la figura del pintor Doménikos Theotokópoulos, nacido en Creta pero que produjo la mayor parte de su obra en la ciudad toledana. El museo se construyó sobre los cimientos de una antigua casa del siglo VI y de un palacio renacentista, muy cerca de donde vivió el artista y que merece la pena visitar los sábados a partir de las 16:00 de la tarde y los domingos.

10 Museo Picasso de Barcelona

Lo que hay saber para entrar gratis en diez grandes museos de España

EFE

El Museo Picasso de Barcelona, es un lugar de peregrinación para los amantes de la obra del genial pintor malagueño. El museo posee una colección de más de 3.500 obras lo que le convierte en el más completo del mundo de obras de la juventud de Picasso. La entrada es gratuita todos los domingos a partir de las tres de la tarde así como el primer domingo de cada mes.

El otoño se viste de arte


El Pais

  • Un repaso a las próximas exposiciones en los museos y galerías más importantes del país

Vuelve septiembre, y con él la vuelta al trabajo y a los colegios. Las galerías y museos más importantes del país también se renuevan en vistas al comienzo del nuevo curso. Cada casa de arte saca en esta época el as de la manga que se había guardado, que servirá como carta de presentación de sus colecciones y exposiciones temporales durante el año.

Museo del Prado: El plato fuerte que presenta esta temporada el museo es la exposición temporal El joven Van Dyck, que profundiza en las obras pintadas por el renombrado artista flamenco antes de partir de Amberes a Londres a finales de 1620, periodo durante el que el joven Van Dyck trabajó al servicio de Rubens. Del 20 de noviembre al 3 de marzo de 2013.

A partir del 30 de octubre también se podrá visitar en el museo la muestra de paisajes que Martín Rico (1833-1908) uno de los artistas más relevantes del panorama artístico de la segunda mitad del siglo en España y pionero en la introducción del paisaje realista en este país. Los 12 óleos y 40 cuadernos del artista componen la exposición más amplia que se ha elaborado nunca sobre el pintor madrileño. Con Martín Rico el Prado continúa con su línea de recuperación y puesta en valor de los principales maestros de la pintura española del siglo XIX. Del 30 de octubre al 10 de febrero.

Museo Reina Sofía: A partir de este mes, la pinacoteca apuesta por Fluxus to the peole, un homenaje al movimiento fluxus, que este año cumple medio siglo desde que el artista George Maciunas lo impulsara en Wiesbaden (Alemania) en 1962. Su precursor ya se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía, proclamándose a sí mismo como “el antiarte”. El movimiento, que ha ocupado un lugar secundario en las narraciones del arte contemporáneo, se sitúa en un espacio superficial entre crítica institucional, arte conceptual y performance.

El programa multidisciplinar, que se presentará a partir del próximo 21 de septiembre en el museo, aproximará al público a uno de los movimientos artísticos, musicales y literarios más importantes surgidos desde la década de los sesenta. En las actividades previstas para el 21 y 22 de septiembre, los asistentes podrán, por un lado, participar en las Fluxolimpiadas (Patio de Nouvel), que incluirán diferentes juegos de carácter deportivo; y en los Eventos de Calle (Claustro y primera planta, Edificio Sabatini), realizados por el Equipo Joven del Museo, consistentes en representar acciones cotidianas de nuestra vida diaria que pasan desapercibidas.

Museo Thyssen-Bornemisza: Después de tres meses, la exposición de Hopper dice adiós en el Thyssen y pasa el relevo a otro de los grandes artistas de finales del XIX y principios del XX, Paul Gauguin. El museo recupera la obra del artista francés en la etapa de su huida a Tahití, donde recuperó el primitivismo a través del exotismo. Este es precisamente el hilo conductor de Gauguin y el viaje a lo exótico, una amplia selección que descubre de qué forma el viaje hacia mundos supuestamente más auténticos produjo una transformación del lenguaje creativo, y en qué medida esta experiencia condicionó la transformación del modernismo.

El itinerario que propone Paloma Alarcó, jefe de Conservación de Pintura Moderna del museo Thyssen-Bornemisza y comisaria de la muestra, mostrará al visitante los frutos de las exploraciones artísticas de Gauguin, Matisse, Kandinsky, Klee o Macke, entre otros, así como la impronta de Gauguin en los expresionistas alemanes y los fauves franceses, poniendo así de manifiesto cómo la figura de Gauguin se alza como el creador de un nuevo canon exótico que sirvió de arranque de los lenguajes de la modernidad de las primeras décadas del siglo XX.

CAC Málaga: El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga apuesta esta temporada por dos artistas que ahondan en la fotografía, la instalación y la reinterpretación de la obra clásica: Por un lado, el brasileño Vik Muniz (del 4 de septiembre al 2 de diciembre) presenta, en más de 100 fotografías, escenas cotidianas, rostros de famosos y personas anónimas. El artista juega con la imaginación del espectador y emplea en sus trabajos materiales nada convencionales. La Gioconda de Leonardo Da Vinci o la Medusa Marinara de Caravaggio vistas como nunca antes.

Erwin Wurm: (Del 21 de septiembre al 11 de noviembre). La instalación, pieza central de la exposición, estará en el espacio central (sala 2) del centro. Las esculturas estarán en el espacio proyectos, en el que también se instalará una pantalla con un video. El otro vídeo se verá en el espacio 5 del centro.

Fundación Juan March: Bajo el nombre La isla del tesoro, la exposición que alberga la casa March contiene una muestra de 180 piezas –pinturas, esculturas, obra sobre papel, libros, revistas y fotografías– realizadas por más de un centenar de artistas procedentes de diversas instituciones europeas, principalmente británicas. Todo ese caudal de obras, que abraza más de cinco siglos, está organizado en siete apartados: desde ejemplos de escultura religiosa dañada por los iconoclastas puritanos durante la Reforma, hasta las piezas Pop de Blake o Hamilton, el conceptualismo de un Richard Long o la emblemática escultura de Toni Cragg. Del 5 de octubre al 20 de enero.

Centro de Arte Dos de Mayo: hasta el mes de noviembre el centro no renovará las dos exposiciones que ocupan desde junio las salas del espacio:

Contarlo todo sin saber cómo:Se presenta en un doble formato expositivo. Por un lado tenemos la exposición en los espacios del CA2M, con obras que incorporan posibilidades narrativas y cuestionan el cómo explicar, y por el otro una novela escrita por el comisario del proyecto, Martí Manen. Hasta el 11 de noviembre.

Madrid Subterráneo: Los descampados, los materiales de construcción, las capas de la ciudad abandonadas en su proceso mismo de crecimiento o lo que hay bajo el suelo, son algunos de los temas que la artista zaragozana Lara Almarcegui ha tratado en su trabajo y que aquí se presentan como una contextualización retrospectiva de la obra realizada específicamente para el CA2M, hasta el 28 de octubre.

MARCO de VIGO: Tampoco en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo se renuevan las exposiciones en septiembre, sino que se conservan las que ya estaban desde principios de verano, donde tiene cabida un espacio dedicado a la arquitectura: ‘Hotel MARCO’, proyecto del artista Michael Lin y rvr arquitectos, que consiste en transformar una sala de exposiciones del MARCO, en un cuarto de hotel con distintos usos que se entiende como lugar de intercambio social e como una suerte de “práctica artística que toma como punto teórico y práctico un todo de las relaciones humanas y su contexto social. Hasta el 31 de octubre.

Museo de Arte Contemporáneo ESTEBAN VICENTE: La muestra Esteban Vicente: pinturas, juguetes, obra gráfica presenta aspectos menos conocidos o inéditos de la producción del artista en su etapa americana: una sección dedicada a la producción gráfica, una obra textil y catorce pequeñas esculturas o juguetes que no se mostraban desde hace una década. Además se incluye una selección de pinturas y dibujos de la colección permanente estableciendo un diálogo con los juguetes. Hasta el 30 de diciembre.

El Museo Picasso Málaga se adentra en el terreno de lo exagerado, deforme e incluso lo incongruente del arte con la exposición El factor grotesco, una muestra comisariada por José Lebrero Stals, director artístico de la pinacoteca, que abordará el significado y la evolución de esta categoría estética en diferentes momentos de la historia del arte occidental. La exposición contiene 280 obras de Leonardo da Vinci, Francisco de Goya, James Ensor, Paul Klee, Pablo Picasso, Otto Dix, Willem de Kooning o Francis Bacon entre otros. Del 22 de octubre al 10 de febrero de 2013.

MACBA: Habrá que esperar hasta el 26 de septiembre para conocer el programa definitivo del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Por el momento podemos adelantar que a partir de octubre (la fecha exacta no está aún confirmada) se podrá visitar la exposición Pages, de los artistas Nasrin Tabatabai y Babak Afrassiabi. El dúo de creadores desarrollan en esta obra su interés por las condiciones históricamente no resueltas de la modernidad. El proyecto parte de dos archivos relacionados con la colección de arte moderno occidental del Museo de Arte.

El Centro Guerrero renace volcado en la ciudad de Granada


El Pais

  • El museo consolida su proyección internacional con una exposición dedicada a Manuel Rivera
Exterior del Centro de Arte José Guerrero. / JULIO GROSSO

Exterior del Centro de Arte José Guerrero. / JULIO GROSSO

Situado justo enfrente de la catedral y de la cripta que custodia los restos de los Reyes Católicos, el Centro de Arte José Guerrero de Granada se ha convertido en uno de los museos de arte contemporáneo más potentes de la región. Lejos queda la crisis vivida en 2010 durante la que los desbarres políticos estuvieron a punto de hundir un prestigiosos centro nacido en 2000 gracias a la donación de sesenta obras por parte de los herederos del pintor granadino fallecido en 1991 en Barcelona. Turistas, estudiantes y vecinos recorren a diario las salas de un edificio que es una clara metáfora de la forma de entender el arte de José Guerrero. La proyección internacional y cosmopolita de su obra convive con los creadores que de alguna manera participan de su legado. La exposición que hasta finales de junio se le dedica a Manuel Rivera (Granada, 1928-Madrid, 1995) es una buena prueba de esas miras internacionales.

A la vista del papel que el museo desempeña en la ciudad (las visitas han crecido un 43% respecto al pasado año), puede decirse que lejos de minar su enraizamiento, la crisis política (encabezada por los entonces responsables culturales de la Junta, Ayuntamiento y Diputación) ha fortalecido el museo. La inagotable paciencia de los familiares de Guerrero y de Yolanda Romero, la directora, junto a la plataforma ciudadana creada en defensa del centro (www.porelcentroguerrero.com), ha hecho fructífera la resistencia. Por resumir brevemente el conflicto, en 2010, el frente político local condicionó la cesión del edificio a que el museo se abriera a exposiciones de artistas locales en detrimento de los planteamientos universales de José Guerrero. A la muerte del artista, sus hijos cumplieron sus instrucciones y legaron 60 importantes óleos junto a su archivo y biblioteca. El paleto planteamiento institucional provocó una respuesta ciudadana de tal calibre (incluidos los artistas locales) que los políticos recondujeron sus planteamientos y el museo pudo rehacer su actividad con sus principios iniciales.

Yolanda Romero (Granada 1962), ahora directora en funciones y responsable del centro desde sus orígenes, en 2000, extrae varias lecciones de lo ocurrido. “Sin duda, ha servido para reforzar el Centro Guerrero a nivel local y nacional. Tanto la administración pública, como la sociedad civil, han tomado nota de lo importante que es conservar una colección tan significativa como la de José Guerrero. Si de algo hemos pecado en nuestro país en los últimos años es de la creación de museos sin colecciones y sin medios posteriores para desarrollarlas. Por eso, el disponer de una colección coherente y singular, como la de José Guerrero, que nos permite contar muchas cosas de la historia artística mas reciente, tanto nacional como internacional, le da a estas obras un valor patrimonial y cultural de primer orden en nuestro país”.

Hijo de una familia modesta granadina, Guerrero es, sin duda uno de los grandes artistas del siglo XX. Trotamundos y aventurero logró varias becas para estudiar en una Europa activa y culta. En París se relacionó con otros grandes maestros españoles del siglo: Pablo Picasso, Joan Miró y Juan Gris. Casado con Roxanne Pollock en 1950, se instaló en Nueva York y, ya con nacionalidad estadounidense a partir de 1953 entró a exponer con grandes transformadores del concepto de pintura Franz Kline, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Robert Motherwell…. Siempre mantuvo relación con España (participó activamente en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, por ejemplo) y fue un referente para los artistas españoles de los 70. Todo ese mundo artístico está contenido en el museo. “En un país que no tiene en realidad grandes museos de arte moderno” añade Yolanda Romero, “ los centro monográficos como el José Guerrero sirven de puente entre la historia (el expresionismo abstracto, una cierta abstracción…) y la experimentación, esto es, entre el pasado y el futuro. Nuestro papel como museo y al tiempo como centro de arte con capacidad de producción y de intervención nos hace singulares”.

También la crisis del Centro ha servido, si cabe, para reforzar aún más la relación con los herederos de José Guerrero. “Cuando se planteó la posibilidad del cierre del museo”, recuerda la directora”, y tanto la sociedad civil como el sector profesional reclamaron su permanencia y apoyo de forma contundente, la familia Guerrero detectó, y supo valorar, este enorme apoyo y fue eso lo que les animó a mantener su deseo de que la colección, pese a las dificultades, permaneciese en Granada. Lisa Guerrero, que lamentablemente falleció durante todo este convulso proceso, declaró que sentía que el legado artístico de su padre ya no les pertenecía y que era simbólicamente de todos aquellos que lo reclamaban. Por eso, si cabe, la familia Guerrero han reafirmado su apoyo al proyecto y su deseo es que la colección se quede en el Centro de forma definitiva. Tanto Tony Guerrero, como Pep Aubert y sus hijos Allegra y Lucas, mantienen ahora una relación fluida y de confianza con el nuevo diputado de cultura, Jose Antonio González Alcalá, lo que sin duda facilitará y hará posible encontrar una formula jurídica estable para el proyecto”.

La renovación del contrato de Comodato, que garantiza la continuidad del centro, ha reforzado su anclaje en la calle. Falta lograr una forma jurídica que garantice que se cumplen los deseos del artista y , finalmente, convocar un concurso para la dirección que respete las buenas prácticas. Será entonces cuando Romero se plantee concursar o dar por liquidada la etapa.

Mientras, el museo sigue el ritmo previsto en sus orígenes. Cuando concluya la exposición de Rivera, y durante los meses de verano , la obra de Guerrero ocupará las tres plantas del edificio (habitualmente se expone una selección en la tercera que se renueva periódicamente). En octubre llegará Música y Acción, donde a través de un recorrido que comienza con Satie y las vanguardias históricas, se llegará a los años setenta, estableciendo un ámbito de reflexión en torno al acto creativo surgido de la incorporación de la acción sonora como nuevo medio de expresión. No son exposiciones programadas con el objetivo de atraer grandes masas. El José Guerrero juega en otra liga y sus responsables tienen muy claro su papel. “No tenemos grandes recursos, ni nunca vamos a ser centros de atracción de masas”, concluye Yolanda Romero. “Pero si que podemos ayudar a generar redes, a promover procesos, a incardinarnos en lo local de forma mucho mas profunda y rica. La agilidad y movilidad de un centro pequeño nos sitúa en un lugar privilegiado para tener un papel destacado en este aspecto que es esencial para toda sociedad que esté interesada en promover una cultura viva”.

Parque Jurásico al estilo ibérico


El Mundo

Los yacimientos arqueológicos y parques temáticos relacionados con estos enigmáticos mastodontes del Mesozoico desperdigados por España no son sólo cosa de sesudos científicos. Se lo demostramos.

Para demostrar que los yacimientos de la Península Ibérica con huellas fosilizadas o icnitas de dinosaurios no es un tema que sólo interesa a los científicos se han creado al menos media docena de parques temáticos y museos relacionados con estos gigantes. Éstos son algunos:

1. Territorio Dinópolis

 

Este parque cultural, científico y de ocio dedicado a la Paleontología, en general, y a los dinosaurios, en particular, está formado por un gran parque en Teruel capital y cinco museos en otras tantas localidades de la provincia: Inhóspitak en Peñarroya de Tastavins, Legendark en Galve, donde se puede conocer alAragosaurus Ischiaticus (el primer dinosaurio nombrado en España) y el yacimiento de Las Cerradicas, Región Ambarina, en Rubielos de Mora, Bosque Pétreo en Castellote y Mar Nummus, en la localidad de Albarracín.

Más informaciónwww.dinopolis.com.

2. Huellas de terópodas

Además de un interesante Museo de los Dinosaurios, se puede visitar en su entorno el yacimiento de Costalomo, con más de 200 huellas de terópodas, ornitópodas y saurópodas, incluyendo una de las de mayor longitud que se conocen en España.

Más informaciónwww.fundaciondinosaurioscyl.com.

3. A tamaño natural

 

Hay tantos yacimientos que se han habilitado tres rutas con los más importantes de la comarca de Tierra de Yanguas, donde se han colocado reproducciones a tamaño natural de estos animales señalando los lugares donde hay que buscar. El más significativo es el de Fuentesalvo en Villar del Río, con 77 icnitas tridáctical, posiblemente de terópodos.

Más informaciónwww.rutadelasicnitas.com.

4. Paleontólogos en La Rioja

Se han censado más de 100 yacimientos por toda la comunidad autónoma, repartidos en 20 términos municipales, distribuidos, a su vez, en tres grandes rutas: Leza-Jubera, Cidacos y Alhama-Linares. Los más importantes son los de El Peladillo en Igea, uno de los más grandes a nivel mundial, donde se encuentra el Centro de Interpretación Paleontológica de la Rioja, y Los Cayos en Cornago, donde se pueden ver algunos de los escasos rastros terópodos a nivel mundial con marcas de la cola del dinosaurio.

Más informaciónwww.dinosaurios-larioja.com.

5. La ruta minera

 

En el territorio minero de Vallcebre en Figols, en Barcelona, se encuentra 5. Fumanya, uno de los yacimientos con el mayor número de icnitas de Europa. Entre sus atractivos, incluye huellas indiscutibles de titanosaurios y restos de huevos.

Más informaciónwww.rutaminera.diba.es.

6. El Tambuc valenciano

Muy cerca de la población valenciana de Millares se encuentra Tambuc, este yacimiento con 240 icnitas tridáctilas dispuestas a lo largo de 19 rastros cuyo origen se remonta al final del Cretácico europeo.

Más informaciónwww.comunitatvalenciana.com.

7. Asturias jurásica

 

A lo largo de los concejos de Gijón, Villaviciosa, Colunga y Ribadesella o, lo que es lo mismo, la Costa de los Dinosaurios, se pueden visitar los principales yacimientos paleontológicos del Principado, destacando el Tereñes, donde se han encontrado huellas de Deltapodus, y el de la Playa de la Griega, donde existe una huella de saurópodo de 130 centímetros de diámetro. El MUJA o Museo Jurásico se encuentra entre Colunga y Lastres.

Más informaciónwww.museojurasicoasturias.com.

8. Parques temáticos

En cuanto a los parques temáticos relacionados con estos animales, aquí van algunos: el Valle de los Dinosaurios de Algaida, en Mallorca www.dinoguia.com); el Parque Dinosaurio de Santillana del Mar (www.parquedinosaurio.com); el Karpin Abentura, en Carranza (Vizcaya) (www.karpinabentura.com), cuenta con un terrasauro donde hacer un viaje fantástico por el Jurásico; y Faunia (www.faunia.es). En la zona del Jurásico de este parque madrileño existe un interesante recorrido sobre los dinosaurios y sus mitos con reproducciones a escala real.

Templos terrenales de la cultura


El Mundo

  • La iglesia de la Magdalena alberga conciertos y exposiciones en Ribadavia
  • Santiago cuenta con cinco iglesias sin culto reservadas a actos culturales
  • El culto y la cultura conviven en numerosos templos gallegos

Que no todas las iglesias gallegas continúan hoy en día oficiando misa es algo que todo el mundo sabe o que, al menos, se puede llegar a sospechar. La desamortización, la despoblación de los pequeños núcleos rurales o el abandono, podrían ser algunos de los factores capaces de explicar dicha inactividad. Sin embargo, lo que probablemente no todo el mundo sabe, es que existen en Galicia iglesias sin culto que no han dejado de funcionar.

Ha variado su función, es cierto, su vocación y, en muchos casos, su tutela, en un discreto fenómeno deredefinición de la utilidad e incluso de la naturaleza de un espacio tradicionalmente reservado a la plegaria, la ofrenda y la devoción. Museos, salas de exposiciones, cines, escenarios de conciertos, pasarelas de moda e incluso tabernas, han encontrado su lugar en el interior de estos sagrados templos. Templos concebidos originariamente para la liturgia religiosa, la espiritualidad y la confesión, puntos de encuentro y de reunión para feligreses erigidos por y para el culto que, hoy en día, parecen admitir alguna excepción.

Preservando su tradicional aspecto y su fisonomía exterior, estas iglesias sin culto, que representan todavía someras excepciones a la norma general, han abierto sus puertas a otro tipo de culto carente por completo de connotaciones religiosas, el culto a la cultura.

Santa María de la Magdalena, Ribadavia

El de Santa María de la Magdalena es, a este respecto, el más claro exponente de una iglesia reconvertida en ‘templo terrenal’ de la cultura. Allí lo divino ha claudicado ante lo terreno y lo que antaño constituía un baluarte del cristianismo en la capital de la comarca de O Ribeiro, representa hoy una auténtica referencia cultural para los habitantes de la villa: escenario de conciertos, exposiciones y banquetes, un escaparate lúdico y recreativo al servicio de todos los vecinos.

Una realidad que no sería posible sin el beneplácito del Obispado, quien se reserva aún la titularidad del inmueble. “El Ayuntamiento usa la iglesia porque cuenta con el consentimiento del Obispado, es un acuerdo tácito entre ambas partes pero no existe un documento explícito que lo reconozca”, confiesa Antonio Amil, responsable de la oficina de turismo de Ribadavia.

La iglesia de la Magdalena es, sin embargo, “la única capilla desacralizada de toda la circunscripción eclesiástica de Ourense”, de acuerdo con los datos que maneja la propia diócesis territorial, una sencilla rareza con un régimen de funcionamiento distinto al del resto de las iglesias de la provincia, un lugar atípico y genuino que llegó a albergar incluso en su interior una taberna abierta al público.

“El templo fue reformado en el siglo XVIII en la ubicación que actualmente ocupa. Desde hace más de veinticinco años se vienen desarrollando allí diferentes actividades culturales, desde la cena medieval de la Festa da Istoria, hasta las bodas judías que acogía la iglesia antiguamente. El ayuntamiento actúa como administrador pero en el recinto no se rinde ningún tipo de culto”, explica el historiador José Ramón Estévez, director de la revista divulgativa ‘Cuadernos de Ribadavia’.

El catálogo cultural ofertado por la iglesia, sin culto desde hace aproximadamente medio siglo, contempla proyecciones cinematográficas para niños, actuaciones musicales y exposiciones pictóricas y fotográficas, entre otras muchas actividades.

San Domingos de Bonaval, Santiago

El convento de San Domingos de Bonaval constituye otro claro ejemplo de edificación religiosa sin culto que, hoy en día, desarrolla una labor cultural de hondo alcance en el seno de la ciudad compostelana. El Museo do Pobo Galego tiene allí su sede desde el año 1977, momento en el que el consistorio de la ciudad, que se había ocupado de su mantenimiento durante más de un siglo, cedió el espacio a una institución sin ánimo de lucro declarada hoy de utilidad pública.

Las disputas sobre la titularidad del inmueble, arrebatado a la Iglesia durante la desamortización de Mendizábal, continúan enfrentando a Ayuntamiento y Arzobispado. En 1999, la instauración de una pasarela de moda en el interior de la iglesia de San Domingos de Bonaval, levantó ampollas en el seno de la Archidiócesis de Santiago, tensando aún más las relaciones entre el obispado y la corporación municipal. “Existen expectativas de renovar el culto en la iglesia, algo que sería posible mediante un acto de consagración”, advierte en relación a la polémica Manuel Blanco, pronunciándose en nombre de la Delegación de Arte Sacro del Obispado.

A la espera de que el reciente fallo judicial, favorable a la demanda del Obispado, se haga plenamente efectivo, la iglesia de Bonaval continúa adelante con su agenda cultural orientada fundamentalmente a la organización de muestras y exposiciones y a la celebración de conciertos, en un escenario que alberga también el célebre Panteón de Galegos Ilustres.

También en Santiago, la iglesia de la Universidad, cuya titularidad se reserva el vicerrectorado y donde periódicamente se celebran exposiciones de arte en colaboración con diferentes fundaciones culturales; la capilla del Hostal dos Reis Católicos; el palacio de Fonseca; la iglesia de San Martiño Pinario o el mismo Pazo de Raxoi, antigua edificación eclesiástica convertida hoy en sede del Ayuntamiento completan el amplio mosaico de iglesias carentes de culto regular centradas ahora en la difusión de la cultura.

Otros templos sin culto en Galicia

El Hogar de Santa María, recinto perteneciente al Ayuntamiento de Lugo y cuya administración fue cedida en el año 1941 a la Diputación provincial por un periodo de 99 años, representa otro claro exponente de edificación antaño religiosa, reconvertida en museo de exposiciones. Se trata, probablemente, de la única iglesia sin culto de las 1.139 parroquias que conforman la diócesis de Lugo.

Santa María A Nova, en Noia, declarada monumento histórico artístico nacional, famosa por sus lápidas gremiales y abierta al público en forma de museo, o la antigua rectoral de Vide, en la parroquia de As Neves (Pontevedra), transformada actualmente en Museo del Agua de la localidad, son algunos ejemplos más de este creciente fenómeno de reconversión y reutilización de los espacios sacros en Galicia.